BD / Manga / Comics·Les Coups de Coeur

Beastars (tomes 1 à 4) de Paru Itagaki

Beastars, tomes 1 à 4 (Série en cours)
Ecrit & mis en scène par Paru Itagaki
Publié en France par Ki-oon, 2019
Japon, Manga
School life, société
6.90€ par tome (broché petit format)


LES COUPS DE COEUR !


Résumé : « A l’institut Cherryton, herbivores et carnivores vivent dans une harmonie orchestrée en détail. La consommation de viande est interdite, les dortoirs sont séparés, tout pourrait aller pour le mieux dans le meilleur des mondes. Quand cependant le cadavre de l’alpaga Tem est retrouvé déchiqueté sur le campus, les méfiances ancestrales refont surface, faisant de chaque carnivore un suspect potentiel.
Legoshi se retrouve ainsi la cible de toutes les suspicions. Ayant été proche de Tem et le dernier à l’avoir vu en vie, il est surtout un loup. Pourtant, sensible et timide, il fait son possible pour réprimer ses instincts. Hélas, ses efforts sont vains face au vent de discrimination qui souffle sur le pensionnat…
Le seul qui pourra apaiser ce climat de terreur serait le Beastar, leader de l’école. Les candidats se préparent, les élections approchent, l’enjeu est de taille, tandis que le favori en lice, Louis, est un cerf bien décidé à remettre les carnivores à leur place.
Allégorie frappante de notre société, Beastars renverse toutes les conventions. Quand l’herbivore fait preuve d’une ambition carnassière, le loup devient le paria… Au coeur de jeux de pouvoir impitoyables, jusqu’où peut-on refouler sa vraie nature?


Un des débuts de séries les plus enthousiasmants de 2019 ! BEASTARS se déroule dans un monde où les herbivores et les carnivores, personnages anthropomorphes, vivent en paix. Une paix somme toute relative car, malgré tout le dispositif mis en place pour permettre à chacun de se fréquenter et réfréner son instinct, les peurs primales et les préjugés demeurent une frontière difficile à franchir.

Dans la construction de son univers, l’autrice n’a pas lésigné sur les menus détails. Par exemple, l’alimentation des carnivores est spécialement adaptée pour combler l’absence de viandes animales, hormis les œufs non fécondés ou produits laitiers. Ceux-ci sont même issus des poules du lycée qui cherchent, par ce biais, à se faire un peu d’argent de côté. Tous les animaux doivent pendant une heure par semaine se réunir par espèce dans des pièces spécialement conçues pour reproduire leur état naturel. Dans l’internat, les herbivores et les carnivores vivent dans des dortoirs séparés, bien qu’ils suivent des cours communs. Etc.

Paru Itagaki va jusqu’à introduire l’existence d’un marché noir en marge de la société, où les carnivores peuvent se procurer en secret de la viande, ce qui est autrement interdit. Et où on retrouve également des herbivores extrêmement pauvres vendret eux-mêmes une partie de leur chair aux carnivores contre de l’argent pour survivre. Autre exemple, on peut également y acheter des flacons de sang animal, qui sont l’équivalent pour les carnivores à de la drogue ou de la doppe, renforçant de manière momentanée leur attribut physique.

L’histoire commence quand un jeune alpaga se fait assassiner. Immédiatement, les soupçons vont se porter sur le loup dont le caractère particulier et introverti et l’amitié curieuse avec la victime sont immédiatement vus comme suspects. A de nombreuses reprises au fil des tomes, on comprend que la paix mise en place n’a pas effacé les clivages séparant herbivores et carnivores, qu’il réside un enjeu de pouvoir et de domination qui codifient et biaisent malgré eux leur comportement et leur relation.

L’occasion parfaite pour l’autrice de faire ainsi un jeu de miroir de notre société et dénoncer par la démonstration des comportements basés sur des injustices sociales basées sur des critères factices mais ancrées profondément dans leurs moeurs. A travers ce monde anthropomorphe, l’autrice dresse donc un portrait acerbe et sombre de notre société en exacerbant notamment les rapports de domination, vus autant du côté des dominés que des dominants, mais qui va bien loin de la simple opposition animale. J’y vois notamment un certain féminisme intersectionnel, mettant en exergue justement la domination patriarcale, sociale et raciste de notre société.

Derrière la douceur apparente du trait, cette légèreté, ces petits coups de crayon qui animent les personnages d’un dynamisme et d’un charisme assez fou, le sous-texte est foisonnant et donc loin d’être naïf ou même innocent. Tout en parlant de l’adolescence, des premiers émois amoureux, de la volonté de grandir et de prouver sa valeur, de la quête de soi et de reconnaissance, l’autrice parle aussi et surtout de la violence de certaines relations sociales qui outrepassent le récit adolescent et transcendent les générations et les genres.

C’est un début magistral qui promet une œuvre complète, complexe et magnifique. En tout cas, ces quatre premiers tomes démontrent déjà d’une grande maîtrise de l’autrice dont j’attends des merveilles. Je suis hyppée au possible pour continuer cette série dont la longueur m’étonne, et je demande du coup à voir ce qu’elle va proposer au fil du récit. Clairement, c’est une affaire à suivre !

Chroniques cinéma·Les Coups de Coeur

Mirai ma petite soeur de Mamoru Hosoda

Affiche de Mirai Ma Petite Soeur

Mirai ma petite sœur
Scénarisé et réalisé par Mamoru Hosoda
Sorti en 2019
Origine : Japon
Film d’animation, Fantastique, Jeunesse


LES COUPS DE CŒUR! 


C’est sans surprise que je vous recommande chaudement ce nouveau film du très bon Mamoru Hosoda (voir ma chronique du film Le garçon et la bête).  Un peu à la manière de A la traversée du temps qui mélangeait histoire d’amour adolescent et boucle temporelle, Mirai ma petite sœur va mêler récit familial et fantastique sans que le second ne prenne entièrement le pas sur le premier. D’une histoire toute simple, le réalisateur parvient à tirer du fantastique une métaphore aux envolées poétiques très imaginatives pour parler d’un événement qui, sans cette part de merveilleux, est très anodine.  

Résumé : « Kun est un petit garçon choyé à l’enfance heureuse jusqu’à l’arrivée de sa petite sœur, Miraï. Jaloux de ce bébé qui monopolise l’attention de ses parents, il se replie peu à peu sur lui-même, enchaîne les caprices et les bêtises. Mais soudain, le petit garçon va voir jaillir dans son jardin un jeune homme qui agit étrangement, à la manière de son chien; une jeune fille qui semble le connaître; et il va voyager dans des lieux où d’autres rencontres lui feront apprendre à accepter la venue de la petite Mirai dans sa famille. »  

J’ai été surprise de la façon dont il utilise le fantastique pour faire avancer son récit. Certes, il y a le prétexte de laisser libre court à son imagination fertile, qui nous livre des scènes magistrales d’inventivité digne d’autres récits absurdes comme Alice au Pays des Merveilles (surtout en seconde partie). Mais ses envolées fantastiques servent principalement (même uniquement) à son histoire, puisque, dans tous les cas, il s’agit pour le jeune Kun d’apprendre à accepter de partager l’attention de ses parents et d’apprivoiser (et se laisser apprivoiser par) la jeune Miraï. Comme elle n’est encore qu’un tout jeune bébé, il ne perçoit en elle qu’un inconvénient car en plus d’accaparer ses parents, elle ne fait que manger, dormir, crier, et ne peut même pas jouer avec lui.  

Le film étant tourné autour du personnage de Kun, les parents restent un peu en retrait et on les perçoit sans doute comme le jeune garçon : complètement désemparés par l’arrivée de cette nouvelle enfant et la charge additionnelle qu’elle apporte à laquelle ils ont, eux aussi, besoin d’un temps d’adaptation. En particulier, la mère devant reprendre son travail, le père se retrouve seul à devoir s’occuper de deux enfants dont un nouveau-né tout en avançant dans son travail d’architecte. On comprend également dans un échange qu’à la naissance du jeune Kun, c’est au contraire la mère qui avait sacrifié sa carrière pour s’occuper du jeune garçon par le reproche qu’elle adresse à son mari : s’il se retrouve aussi démuni, c’est parce qu’il n’était justement que peu présent pour leur premier enfant. 

Il ne s’agit cependant pas de remettre en question la gestion parentale des enfants au Japon mais plutôt d’expliquer pourquoi Kun a l’impression d’être doublement abandonné. Non seulement sa mère est accaparée par sa sœur dès qu’elle revient du travail, mais il se retrouve également seul avec un père qui n’a pas été jusque-là très présent et ne sait encore bien communiquer avec lui.  

Tous les détails du film sont savamment pensés pour servir au récit, jusqu’à l’architecture atypique de la maison qui s’articule autour d’un jardin central où trône un arbre. Cet arbre d’ailleurs parait esthétique mais trouve son sens au fil du film. Il est en effet le symbole de l’arbre généalogique de la famille, le lien par lequel la magie semble affluer pour aider le jeune Kun à accepter sa petite sœur à travers les multiples aventures qu’il va vivre. J’extrapole, mais c’est un peu comme avec le renard dans Le Petit Prince, puisque cette apprentissage (il y a d’ailleurs des touches de récit initiatique dans le film) réside dans les petits pas effectués à chacune de ses aventures.  

Et bien sûr, il faut considérer l’animation et la mise en scène qui sont irréprochables dans tout le film et servent à donner à celui-ci une intensité émotionnelle qu’une telle histoire n’aurait peut-être pas eu autrement (même si cela aurait dans tous les cas été très mignon). En plus de cela, si le film arrive à surprendre, c’est aussi par l’utilisation de la bande son, par l’animation, par des scènes auxquelles on ne s’attend pas forcément. J’ai justement aimé qu’il me sorte des sentiers battus et me prenne au dépourvu. 

Cela reste dans tous les cas une œuvre jeunesse qui parle de ce moment particulier de l’enfance où le changement radical de vie peut désemparer et faire perdre les repères à un moment de la vie où on pense que tout ce qu’on connaît est acquis et immuable. C’est une leçon de vie qui est mise en scène avec beaucoup de délicatesse et d’inventivité. Un moment très anodin sublimé par la poétique et l’imagination. Une métaphore touchante et étonnamment rafraichie, qui le rend délicieux pour les adultes également. 


Chroniques Livres·Les Coups de Coeur

Salina, les trois exils de Laurent Gaudé

Salina, les trois exils
Écrit par Laurent Gaudé
Publié aux éditions Actes Sud
Publié en Octobre 2018
Conte contemporain


LES COUPS DE COEUR!


Je ne pense pas vous avoir déjà parlé de ma lecture du roman Pour seul cortège, il y a de cela un an ou deux. J’avais pourtant gardé en mémoire la beauté du texte et la voix de Guillaume Gallienne, qui me l’avait fait découvrir et je n’avais qu’une idée : en lire d’avantage. (En aparté, je ne saurais que trop vous recommander de découvrir l’émission Ca ne peut pas faire de mal qui est une mine d’or de découvertes littéraires en tout genres.) Il faut le lire ou l’entendre pour comprendre à quel point la plume de cet auteur porte sa propre voix, sa tonalité, sa musique, son lyrisme, qui sied merveilleusement aux destins peu ordinaires comme celui d’Alexandre Le Grand. Ou celui de Salina, la femme aux trois exils, aux trois enfants, rêvant d’amour et condamnée à la vengeance.

Me voilà donc à lire Salina, les trois exils récemment publié aux éditions Actes Sud, et c’est lecoup de cœur de cette rentrée littéraire. Pour les mêmes raisons que pour le récit sur Alexandre Le Grand : en parlant de la plume de Laurent Gaudé, on évoque tout de ses qualités et c’est la force même de son talent.

Extrait

Il écoutait tout, avec avidité, sidéré qu’il puisse y avoir tant de mots dans cette femme. Que sa mère qui ne vivait rien d’autre que ces journées longues passées à ses côtés, ces journées de marche, de campement, de survie, ait pu avoir une vie si pleine de blessures et de fracas. Il a cru parfois qu’elle inventait, mais ce sentiment a vite disparu. Elle avait dans la voix des fêlures qui ne mentent pas, quelque chose en elle se brisait parfois.

Il y a peu d’auteurs qui maîtrisent à ce point son style, qui arrivent à créer un flux intense d’émotions à travers les mots, éveillent tous vos sens, vous font ressentir l’intensité de vie de ses personnages. J’ai vibré du destin de cette enfant devenue femme, abandonnée de tous, seule face à une destinée qu’on lui a extorqué par trois fois. Elle a enfanté dans la violence, et puis dans la haine, pour élever un enfant du pardon.

Tiré d’une pièce que l’auteur a lui-même écrit, Salina s’en sort merveilleusement à l’écrit. Car il suffit simplement d’élever la voix pour entendre tout du récit : la tragédie antique qui se joue ; le destin scellé d’une enfant abandonnée à un monde déshumanisé par la guerre, par l’envie, par la peur, par la violence et la domination, qui seule avec l’espoir d’amour et d’une vie heureuse, ne peut lutter contre les coups du sort ; le chant langoureux des dunes de l’Afrique et du Sahara, les brûlures du soleil en journée et le sable qui se colle à la peau, assèche le corps, menace de tout envahir ; l’intemporalité du récit et l’universalité des souffrances qu’il porte ; la voix de cet enfant du pardon qui, par l’amour retrouvé, tâchera de donner la voix qu’on a interdite à la mère.

Extrait

Ils sourient tous à l’évocation de ton nom parce qu’ils savent qu’ils n’ont plus rien à redouter de toi mais ils ont tort. Je sais, moi, qu’une guerre ne s’achève vraiment que lorsque le vainqueur accepte de perdre à son tour.

Laurent Gaudé parle ainsi de vengeance et de la façon dont l’héroïne – cette enfant venue de nulle part, promesse de malheurs, qui suscita crainte et haine par l’appréhension que cette inconnue inspire – va y répondre. Et cette interrogation : comment sort-on de ce cycle sans fin ? Pour citer l’auteur lui-même dans cette interview sur RTL, auquel l’extrait ci-dessus répond également : « par un geste inouï » et inattendu, venu d’un tiers auquel nul ne pouvait s’attendre. Magnifique leçon d’humanité.

Résumé : « Qui dira l’histoire de Salina, la mère aux trois fils, la femme aux trois exils, l’enfant abandonnée aux larmes de sel ? Elle fut recueillie par Mamambala et élevée comme sa fille dans un clan qui jamais ne la vit autrement qu’étrangère et qui voulut la soumettre. Au soir de son existence, c’est son dernier fils qui raconte ce qu’elle a été, afin que la mort lui offre le repos que la vie lui a défendu, afin que le récit devienne légende.
Renouant avec la veine mythique et archaïque de La Mort du roi Tsongor, Laurent Gaudé écrit la geste douloureuse d’une héroïne lumineuse, puissante et sauvage, qui prit l’amour pour un dû et la vengeance pour une raison de vivre. »

Voir l’interview de Laurent Gaudé dans l’émission La Grande Librairie :

Chroniques cinéma·Les Coups de Coeur

A Taxi Driver de Jang Hoon (Festival du Film Coréen à Paris 2017)

A Taxi Driver
Réalisé par Jang HOON
2017
Biopic, Historique
Cinéma sud-coréen
Sur Senscritique – 7,8/10
Sur Allocine – 3,4/5


LES COUPS DE COEUR !


Résumé :
« En mai 1980, un chauffeur de taxi conduit un journalise allemand à Gwangju, en plein milieu du mouvement pour la démocratisation.« 


Excellent. Comment le décrire autrement ? Il s’agit avant tout d’un film historique et d’un bel hommage rendu à ce chauffeur de taxi, dont la réelle identité reste méconnue. Il a conduit le journaliste allemand, Jürgen Hinzpeter, au sein de la ville de Gwangju, pour couvrir le soulèvement de la population qui milite pour la démocratisation de leur pays dans les années 80. Sévèrement réprimée par l’armée qui tire à balles réelles, la violence des conflits est tue par le gouvernement qui bloque tout accès à la ville et censure toute la presse. Ce sont ainsi les vidéos du journaliste allemand qui vont dévoiler au monde entier l’inhumanité de ses actions. Mais le film ne dresse pas le portrait héroïque du reporter étranger, il filme au contraire les événements à travers le regard du chauffeur de taxi sud-coréen, donnant ainsi au spectateur une grande proximité aux événements et à la population et rendant tangible toute l’horreur de cette période.

Il s’agit également d’une œuvre cinématographique dont les qualités sont indéniables. Que ce soit dans la mise en scène, la construction narrative du récit, la mise en place des personnages, le jeu des acteurs, les plans, techniquement et scénaristiquement, A Taxi Driver est de très belle facture, surtout pour un film grand public, abordable par tout type de spectateur, peu importe ses préférences. Son efficacité vient notamment de cette construction narrative, son démarrage en douceur, avec même un ton très léger et un humour présent. Le personnage du chauffeur de taxi, central donc, est une excellente figure qui sert notamment de pivot, pour nous sombrer en douceur, mais inexorablement, dans l’horreur.

Lire la suite « A Taxi Driver de Jang Hoon (Festival du Film Coréen à Paris 2017) »
Chroniques cinéma·Les Coups de Coeur

Vanishing time : A boy who returned de Tae-Hwa UHM (Festival du Cinéma Coréen à Paris 2017)

Vanishing Time : A boy who returned
Réalisé par Tae-Hwa UHM
2016
Drame, Fantastique
Cinéma sud-coréen
Sur Senscritique – 7.3/10


LES COUPS DE COEUR !


Résumé :
« Après la mort de sa mère, Su-rin, 14 ans, vient s’installer sur une île avec son beau-père. Elle se lie d’amitié avec Sung-min, un orphelin qui partage son goût du mystère et des phénomènes étranges. Avec deux autres garçons, ils partent un jour en forêt pour assister à une explosion prévue pour la construction d’un tunnel. Mais en chemin, ils tombent sur une grotte dans laquelle ils vont trouver un objet qui va bouleverser leur existence…« 


Le 12e Festival du Cinéma Coréen de Paris a eu lieu au cinéma Publicis cette semaine, l’occasion d’y découvrir des films qui n’auraient autrement pas eu la chance de sortir dans nos salles – à fort regret, d’ailleurs. Ces dernières années, après le Japon, c’est la Corée du Sud qui apporte un vent de renouveau dans nos salles obscures. Pour le moment, je n’y ai découvert que de très bonnes œuvres, si ce n’est excellentes, au moins ayant un fort potentiel. Et c’est de même lors de ce festival, des deux œuvres que j’ai vu, l’une est excellente (A Taxi Driver de Jong HOON – dont j’espère vous parler prochainement) et l’autre très prometteuse : Vanishing Time : a boy who returned de Tae-Hwa UDeuxième long métrage du réalisateur, c’est une œuvre qui s’est longuement métamorphosée : d’un thriller noir et glaçant, mêlant un brin de fantastique, l’auteur a finalement changé de regard et y a apporté une teinture fort différente : celle d’une fable fantastique sur l’enfance, sur le passage à l’âge adulte, sur l’ouverture et l’innocence du regard d’enfant, plus prompt à accepter de voir au travers du fantastique, une part de réalisme. Un film qui n’est pas sans rappeler les films de notre enfance, à la fois au niveau du style et de l’ambiance, du sentiment qu’il provoque, comme par exemple Les Goonies de Richard Dooner. Mais attention à ne pas oublier qu’il s’agit d’une réalisation coréenne, et que leur cinéma (en tout cas, celui que j’ai vu jusqu’ici) est souvent empreint d’une certaine part d’ombre, qui en fait un film en direction d’adultes, bien qu’à la portée d’enfants.

Un groupe d’enfants décident de braver les interdits et d’aller voir en montagne les travaux qui sont menés pour créer un nouveau tunnel et qui provoquent des explosions. Lors de leur pérégrination, ils vont découvrir une caverne qui renferme une espèce de trésor lumineux, étrange, dont un des garçons pensent être un œuf du gobelin du temps, dont son grand-père parlait. Tandis que la fille du groupe, et l’héroïne du film, repart dans la caverne pour récupérer une épingle à cheveux que sa défunte mère lui a donnée, l’un des garçons Sung-Min, le héros du film, va casser l’œuf, par curiosité de voir ce qu’il renferme. Une explosion retentit, et la petite Su-Rin échappe de justesse à l’effondrement de la caverne. Mais quand elle ressurgit à l’extérieur, les trois garçons ont disparu.

C’est un film intimiste, oú chacun peut avoir sa propre interprétation sur ce qu’il propose. La jeune Su-Rin ne s’entend pas avec son beau-père, n’a que Sun-Min comme ami, est considérée comme bizarre par ses camarades au regard du blog sur les expériences extracorporelles qu’elle tient. Aussi, quand elle est la seule à revenir de l’expédition et qu’elle est incapable de donner une explication qui parait aux adultes suffisamment raisonnée pour être crédible, elle se retrouve encore plus isolée. C’est là l’opposition des regards entre l’enfant et les adultes qui est mise en scène, marquant le manque d’écoute et d’ouverture d’esprit des adultes, qui, au fur et à mesure des années, s’ancrent dans le réel et ont de plus en plus de difficulté à entendre les paroles de l’enfant, fantasques. Le film réussit en douceur à faire ressentir le sentiment de solitude, d’isolement, de la jeune Su-Rin, qui ne sait plus vers qui se tourner. Et c’est sans doute ce qui explique la facilité avec laquelle elle croira l’histoire de Sun-Min et tentera coûte que coûte de le défendre.

Car le film suit également ce qui est arrivé au jeune Sun-Min et ses deux amis. C’est autour de lui que l’oeuvre met en scène tous les questionnements de l’enfance et le passage à l’âge adulte. Et c’est sans doute dans cette partie du film que la part d’interprétation est la plus forte, la mieux amenée, et la plus marquante. Je pense que, plus tard, lorsque je repenserai à cette œuvre, ce sont ces scènes qui me reviendront en mémoire car ce sont mes passages préférés du film. Toute l’émotion y est juste et variée. On passe des moments doux, amusants et nostalgiques de l’enfance dans sa part d’innocence pure et nonchalante à des moments de gravité oú l’enfant se retrouve soudain confronté à la réalité, aux conséquences de ses actes, et commence à s’interroger sur les lendemains. Il s’interroge alors sur son avenir, sur le sens de ce que « devenir adulte » implique. Est-ce seulement une question d’âge légal ? Est-ce une métamorphose interne ? D’attitude ? Un choix ? Une nécessité ? Toute cette partie est remplie de métaphores, que ce soit dans les dialogues, les actes, la situation ou le décors.

Je pourrais longuement disserter sur le temps arrêté, qui pourrait s’interpréter comme la représentation la plus pure de l’enfance. Cette période de nos vies oú le lendemain est déjà une idée abstraite, alors que le temps présent est tellement riche en possibles. Oú le futur est déjà présent parce qu’il suffit d’imaginer pour y être. Oú on peut passer des heures à jouer ou à lire sans se poser des questions sur ce qu’on pourrait faire de ce temps, qu’on dira plus tard, un temps constructif, c’est-à-dire qui sert avant tout à préparer l’avenir, vers lequel le présent de l’adulte sera alors tourné. Le temps arrêté, c’est l’enfance, parce qu’il est ralenti, il laisse place à l’ennui. L’enfant s’ennuie beaucoup mais c’est aussi une période oú on en a pas peur, parce qu’on a pléthore de temps, ou du moins qu’il semble passer au ralenti. C’est l’enfance aussi, parce qu’il est déterminé à finir un jour, on ne sait jamais vraiment quand, et c’est toute la question. Le temps arrêté comme métaphore de l’enfance, c’est aussi interprétable quand le film met en opposition Su-Rin, qui a toujours 14 ans, et Sun-Min, vieilli de quinze ans, mais qui semble bien moins mature, mais déconnecté et perdu, dans un décalage qui le condamne à une vie, non pas ratée, mais manquée.

Le film met aussi en scène de très beaux passages sur l’amitié, entre Su-Rin et Sun-Min. Etant orphelin, l’amitié de Su-Rin se révèlera pour lui un lien indispensable qui le raccroche à la vie, au réel, à l’espoir d’être reconnu. C’est cette dernière notion qui marque l’émotion autour du personnage de Sun-Min et son désespoir de convaincre Su-Rin de son identité. Une émotion forte car, autrement, si personne n’est capable de le reconnaitre, il serait véritablement seul et n’aurait pas de raison de continuer. Ce qui amène aussi l’interprétation suivante : qu’on n’existe seulement par la reconnaissance des autres de qui on est. Et de fait, la solitude est un des thèmes émotionnels phares du film, qui rend autant plus fortes les premières scènes d’amitié des deux jeunes héros.

Le réalisateur m’a parfois surprise car on ne sait pas toujours oú il veut vraiment en venir. Les scènes de la dernière partie sont notamment assez maladroites, proche d’un mauvais thriller, et manquent de cohérence avec ce qui précède en proposant une résolution qui tire en longueur et paraît un peu décousue. L’intensité n’y est plus vraiment émotionnelle, mais surtout très scénarisée pour clôturer l’histoire, et ce n’est pas forcément très bien amené. Cela révèle une faiblesse de scénario et aussi l’incertitude ressentie sur le film qu’a voulu proposer le réalisateur. Sans cela, l’œuvre aurait gagné en maturité et en cohérence globale. Les acteurs ne sont plus tous égaux. Les toutes premières scènes du film sont assez en-dessous du reste du film, avec une mise en scène, comme ses jeunes acteurs, qui peine à se fluidifier et fonctionner.

Cela n’empêche pas Vanishing time : a boy who returned d’être, malgré ces quelques inégalités, un très beau film, autant visuellement que dans le fond qu’il propose. Le décors, la couleur du film, les variations sont vraiment appréciables et contribuent grandement à l’atmosphère du film. Globalement, je suis vraiment charmée par la proposition et je vous recommanderai bien entendu de le découvrir si on a la chance de le voir sortir dans d’autres salles françaises ou en DVD/Blu-ray.


Bande d’annonce :

Chroniques Livres·Les Coups de Coeur

L’homme qui mit fin à l’Histoire de Ken Liu

L’homme qui mit fin à l’histoire (The Man Who Ended History : A Documentary)
Ecrit par Ken LIU
Traduit de l’anglais (US) par Pierre-Paul Durastanti
Publié aux éditions Le Bélial’, 2016
Science-fiction, Histoire
Le site de l’éditeur


LES COUPS DE COEUR !


Résumé :
« FUTUR PROCHE. Deux scientifiques mettent au point un procédé révolutionnaire permettant de retourner dans le passé. Une seule et unique fois par période visitée, pour une seule et unique personne, et sans aucune possibilité pour l’observateur d’interférer avec l’objet de son observation. Une révolution qui promet la vérité sur les périodes les plus obscures de l’histoire humaine. Plus de mensonges. Plus de secrets d’Etat.
Créée en 1932 sous mandat impérial japonais, dirigée par le général Shiro Ishii, l’Unité 731 se livra à l’expérimentation humaine à grande échelle dans la province chinoise du Mandchoukouo, entre 1936 et 1945, provoquant la mort de près d’un demi-million de personnes… L’Unité 731, à peine reconnue par le gouvernement japonais en 2002, passée sous silence par les forces d’occupation américaines pendant des années, est la première cible de cette invention révolutionnaire. La vérité à tout prix. Quitte à mettre fin à l’Histoire.»


Cette fois, laissez-moi vous parler de « L’homme qui mit fin à l’Histoire », un très court roman de Ken LIU, brillant, riche et passionnant. Il fait partie de ces auteurs de science-fiction qui justifient mon adhésion grandissante pour le genre. Il pose en effet une question brûlante et d’éthique : si nous avions la technologie nécessaire pour visionner des moments brefs et ciblés du passé, mais qu’à chaque utilisation, ce même bout de passé ne pourrait plus jamais être vu par la suite, que devrait-on faire ?

Devrait-on attendre de mettre au point une technologie plus performante, qui permettrait un enregistrement ou un accès illimité à la vision de ce passé ? Sans contexte et dans l’absolu, il serait sans doute mieux advenu d’attendre. Mais justement, Ken LIU rappelle qu’on n’est jamais « sans contexte ». Il prend pour sa part le cas de l’Unité 731, centre militaire de recherche et d’expériences bactériologiques conçue par les japonais durant la Seconde Guerre Mondiale en Chine. Les atrocités de leurs expériences sur des humains ont depuis été reconnues comme faisant partie des crimes contre l’humanité. S’il est compliqué d’évaluer le nombre exact de victimes, elles seraient entre 3000 et 10000 à avoir fait l’objet des expériences de l’Unité, et plus de 300000 à en subir le résultat. Parmi elles, une majorité de chinois, mais également des prisonniers de guerre Russes, Américains, Coréens, Philippins.

Il choisit sciemment de se placer à notre époque (sans date précise), alors que sont encore en vie les proches des victimes et certains de ceux qui y ont travaillés. De fait, la question doit être bien posée : peut-on se permettre d’attendre, au risque que les premiers concernés ne puissent plus accéder à cette partie de leur histoire ? Et plus encore : à qui doit-on accorder le droit de visualiser le passé ? Aux victimes ? Aux historiens ? A la communauté scientifique ?

Pour mettre en scène son histoire, Ken LIU choisit de donner à son roman la forme d’un documentaire. Tour à tour, s’alternent l’interview ou le témoignage de personnes qui ont été directement concernées par le projet : ceux qui ont découvert le moyen de remonter dans l’Histoire et de la visualiser ; les victimes, mais surtout leurs proches, à la recherche de la vérité ; des représentants des communautés scientifiques et de recherche ; un ancien membre de l’Unité 731. Mais sont également rajoutées des scènes d’archives montrant les débats politiques autour du projet ; des discours ; des cross-talks ; des avis pris au sein de la population, etc. Il s’inspire pour cela de la nouvelle de Ted Chiang : « Aimer ce que l’on voit, un documentaire » (du recueil « La Tour de Babylon » qui fera l’objet d’une future chronique).

C’est une forme judicieuse, car elle permet un détachement de l’auteur, en ne présentant de fait aucun narrateur particulier. On s’imagine aisément les images du documentaire faisant défiler des portraits des intervenants et alternant avec des images d’archives. Ce n’est ainsi pas notre sensibilité qui est titillée, mais plutôt notre esprit critique. Ken LIU fait preuve ainsi d’une écriture habile, qui a su intelligemment mettre en place ses idées.

« L’homme qui mit fin à l’Histoire » ne présente pas qu’un simple dilemme scientifique et moral, en fin de compte : il se montre également critique envers notre société, et la façon dont nous prenons nos responsabilités face à ce qui s’est passé en Chine, durant la Seconde Guerre Mondiale, et qui concerne autant la Chine et le Japon que la communauté internationale. L’auteur en dresse une analyse ciblée des relations internationales qui lient la Chine, le Japon et les Etats-Unis au prisme de cette partie de l’Histoire. Il faut savoir que l’existence de l’Unité n’a été révélée qu’en 1981. Des ossements humains ont ensuite été découverts aux environs de Shinjuku à Tokyo. Ils ont été identifiés d’origine mongoloïdes et gardent des traces de chirurgie.

Il faut attendre 2002 pour que le Japon reconnaisse enfin l’existence de l’Unité, mais il a toujours refusé de dédommager les victimes. Mais qu’en est-il finalement de la communauté internationale ? Se pose la question de la connaissance des Etats-Unis à la fin de la guerre et de sa mansuétude sur le sujet, très probablement face à l’intérêt que représentaient les recherches en matière d’armes biologiques. L’Histoire de l’Unité 731 ne s’arrête donc pas à son démantèlement ou à la fin de la guerre, ni même à la disparition de ses contributeurs ou de ses victimes.

« L’homme qui mit fin à l’Histoire » est un très bon roman de science-fiction, qui ne parle pas directement de l’avenir, mais revient sur notre passé à travers une avancée technologique qui n’appartient pas à notre présent. C’est un texte qui réfléchit aussi sur l’Histoire, celle qu’on croit connaître, sur la façon dont on la reporte, sur la capacité ou non de la dire sans l’interpréter ou la déformer. Ken LIU dénonce avant tout les négationnistes, de la censure des Etats sur l’Histoire, de l’absence de l’Unité 731 et des autres crimes de guerre perpétrés par les japonais durant la Seconde Guerre Mondiale notamment dans les manuels scolaires. Bien écrit, court, efficace, les questions sont posées, et si l’auteur se montre critique, il n’est pas pour autant dirigiste. A lire.


Extraits :

« La position de Wei, c’est que, sans vraie mémoire, il ne saurait y avoir de vraie réconciliation. Sans vraie mémoire, les individus de chaque nation n’ont pas pu ressentir ni se remémorer là souffrances des victimes. Individualiser le récit que chacun de nous se fait des événements est un prérequis avant de pouvoir s’extirper du piège de l’histoire. Telle était, dès le départ, la nature du projet. »

« Un des paradoxes cruciaux de l’archéologie, c’est que, pour fouiller un site afin de l’étudier, il faut le détruire. Au sein de la profession, on débat à chaque site pour savoir s’il vaut mieux le fouiller ou le préserver in situ jusqu’à la mise au point de nouvelles techniques moins invasives. Mais sans des fouilles destructrices, comment mettra-t-on au point ces nouvelles techniques ? »

« La vérité n’a rien d’une fleur délicate et ne souffre pas du déni : elle ne meurt qu’à partir du moment où on étouffe les vraies histoires. »

Chroniques cinéma·Les Coups de Coeur

Moonlight de Barry Jenkins

Moonlight
Réalisé par Barry JENKINS
D’après l’œuvre de Tarell Alvin McCRANEY
2017
Drame, Slice of life


LES COUPS DE COEUR !


Résumé :
« Après avoir grandi dans un quartier difficile de Miami, Chiron, un jeune homme tente de trouver sa place dans le monde. Moonlight évoque son parcours, de l’enfance à l’âge adulte. »


Pour une fois depuis quelque temps sur le blog, écartons-nous des films d’animation pour parler de Moonlight, qui retrace l’évolution d’un jeune garçon en trois moments clés de sa vie. Ces points de non-retour, ces tournants qui bousculent une trajectoire et qui sont parfois si difficiles à déterminer avec précision. Un film dont le spot est aussi bref que simple : c’est un destin ordinaire, mais auquel on rend ici un très bel hommage.

Surtout, le film évite la sur-dramatisation, qui lui aurait certes donné un rythme différent, plus soutenu, mais cela l’aurait aussi fait tomber dans des ressorts narratifs éprouvés et ronflants par la répétition. La vie du jeune Chiron n’est déjà pas facile – inutile d’en rajouter. Entre violence de sa classe sociale, la racisation de ses origines, de sa peau, du rejet et de la dépendance de sa mère, des brimades que sa sexualité supposée – car il ne l’affirmera qu’à la toute fin – lui provoquent.

A l’image de son personnage central, très réservé et en retrait de son entourage, le film utilise les dialogues avec parcimonie, les faisant surgir aux moments opportuns, lors de scènes marquantes, et avec brio. Ainsi la scène de clôture de la première partie, donnant la part belle au brillant Ali MAHERSHALA, qui en retour la sublime par son interprétation. Ainsi la réconciliation touchante entre mère et fils, scène durant laquelle ce sont les détails visuels qui servent d’entre-mots à la parole. Ainsi les dernières paroles de Black, qui sont aussi les dernières du film. Tour de force intéressant de lui avoir ainsi confié, à ce personnage silencieux, la parole la plus éloquente, qui fera rebond à celle délivrée en fin de première partie, la faisant résonner après coup, et résumant en beauté Moonlight. « You’ll know when you know. »

Les acteurs sont certainement au centre du film, offrant un plaisir de présence scénique qui occupe l’écran par leur jeu tout en subtilité et en regards. Que ce soit Alex R. HIBBERT, Ashton SANDERS ou Trevante RHODES, leur interprétation harmonieuse de Little, Chiron et Black, marquant autant la continuité que l’évolution du personnage, fut un régal à suivre.

Point un peu moins positif, il y a quelques maladresses quant à la façon dont il est filmé. En particulier au début, avec des mouvements de caméra qui n’apportent rien, semblent presque amateurs, une mise en point qui laisse à désirer et une luminosité par forcément idéale. Le film s’améliore par la suite, sans pour autant surprendre ou être mémorable dans la réalisation.

Moonlight, ce n’est pas qu’un film sur l’homosexualité de son héros, mais un film sur la compréhension et l’acceptation de soi. Les noms changent mais Black n’en reste pas moins Chiron et Little. Son interaction avec son premier amour, qui semble le désarmer, lui qui autrement impose par sa carrure, en dit énormément sur lui et son évolution, mais aussi sur le film. C’est une histoire ordinaire, parce que c’est l’histoire d’une vie, avec toute la complexité et la singularité qui la caractérise, et il n’est jamais question d’un destin en particulier. Et c’est aussi pour cela que je l’ai autant apprécié.


Bande d’annonce :

Chroniques cinéma·Les Coups de Coeur

Si tu tends l’oreille de Yoshifumi Kondo

Si tu tends l’oreille
Réalisé par Yoshifumi Kondo (Studio Ghibli)
1995
Animation, romance


LES COUPS DE COEUR !


Résumé : « Shizuku Tsukichima, une collégienne de 14 ans, est une jeune fille rêveuse et passionnée par les romans et les contes. Elle emprunte souvent des livres à la bibliothèque et remarque sur les fiches d’emprunt des roman qu’un garçon lit les mêmes livres qu’elle. Un jour qu’elle doit amener un panier repas à son père, elle découvre en chemin une mystérieuse boutique d’apothicaire.« 


Unique film du réalisateur, ayant déjà travaillé sur plusieurs longs métrages du studio Ghibli, parmi les meilleurs d’Isao Takahata et Hayao Miyazaki (Le tombeau des lucioles, Princess Mononoke, Pompoko, Porco Rosso), Yoshifumi Kondo nous livre dans Si tu tends l’oreille une histoire très touchante et maîtrisée. C’est un film qui entre parfaitement dans l’ambiance du studio sans pour autant en être un simili désuet. Ses qualités sont pluriels : son équilibre, la délicatesse du récit, son onirisme, sa douceur, le sourire qu’il vous laisse sur la fin. 

Pour avoir vus les films dans un ordre non chronologique, j’ai été ainsi surprise d’y voir dans les statues des chats, le chara-design des protagonistes du Royaume des chats de Hiroyuki Morita. J’ai finalement appris que ce dernier a été réalisé sept ans plus tard, en reprenant volontairement certains des personnages comme protagonistes, offrant ainsi, si ce n’est vraiment une suite, en tout cas un très bel hommage à l’oeuvre du talentueux Yoshifumi Kondo.

Si tu tends l’oreille prend au dépourvu. Alors que l’atmosphère du film fera toujours pressentir le basculement dans un univers fantastique, celui-ci ne surgira jamais. Mais s’il ne décolle pas du monde réel, il offre en revanche un onirisme aussi créatif et imagé que celui du sublime Le voyage de Chihiro (réalisé en 2001). Et c’est là où il excelle justement et dévoile toute sa subtilité.

La création qui gravite autour de cette héroïne, apprentie romancière, et du jeune luthier, prêt à tout pour accomplir son rêve, est le thème central du film. Elle y trouve son apothéose dans la scène où les personnages se retrouvent à composer une merveilleuse reprise de la chanson Country Road. L’enthousiasme du film est au reflet de cette scène : très communicatif. Il est distillé dans toutes les scènes : que ce soit dans la rencontre électrique des deux protagonistes, qui finissent par s’apprivoiser petit à petit, mus par la même soif de création, leur désir d’apporter leur brique au monde, leur foi en l’avenir ; dans les échanges que Shizuku aura avec le grand-père ; l’avancement de son projet de roman, dont on verra le résultat exploser dans des scènes particulièrement chatoyantes de poésie.

Quant à l’histoire d’amour et celle des amitiés de Shizuku, tout cela paraît presque annexe du film, quand bien même ils y ont leur place. Le récit, en ce sens, n’a rien d’extraordinaire et ne sort pas vraiment des sentiers battus. Il y a le triangle amoureux, de la meilleure amie amoureuse de son camarade, lequel s’intéresse à Shizuku qui tombe amoureuse d’un autre garçon. Il y a Shizuku qui s’aperçoit qu’un garçon emprunte toujours les livres qui l’intéressent et commence à le fantasmer. Et il y a évidemment la relation entre Shizuku et Seiji qui commence comme chien et chat. Autant dire qu’on aurait presque là une recette pour un mauvais shojo. Pourtant, jamais Si tu tends l’oreille ne franchira la limite d’une histoire d’amour à l’eau de rose. Ses personnages principaux se révèlent beaucoup plus intéressants, car tournés vers leurs passions et leurs projets. Leur rencontre sert surtout à marquer l’évolution qu’ils vont voir s’opérer en eux, l’envie d’accomplir leur rêve, et la façon dont ils vont s’y encourager.

La beauté de ce film réside en ce que le fantastique qu’on a l’habitude de voir dans les films des deux fondateurs réside ici dans le quotidien et l’avenir de ces deux protagonistes. La magie qui est permanente dans la réalisation du film se discerne dans chaque plan, chaque expression très réaliste des personnages, chaque mouvement de l’histoire. C’est un film complet, charmant, délicat et subtil, qui gagne surtout par son équilibre dans la construction du récit, la psychologie et la pluralité de ses personnages, l’évolution de ces derniers, ses thèmes, sa musique, son animation. A ne pas manquer !


Bande d’annonce :

BD / Manga / Comics·Les Coups de Coeur

Shangri-la de Mathieu Bablet

Shangri-la
Scénarisé et dessiné par Mathieu Bablet
Publié aux éditions Ankama, 2016
Science-fiction, Dystopie
19,90€ GF


LES COUPS DE COEUR !


Résumé :
« Dans un futur lointain de quelques centaines d’années, les hommes vivent dans une station spatiale loin de la Terre et régie par une multinationale à qui est voué un véritable culte. En apparence, tout le monde semble se satisfaire de cette « société parfaite ». Dans ce contexte, les hommes veulent repousser leurs propres limites et devenir les égaux des dieux. C’est en mettant en place un programme visant à créer la vie à partir de rien sur Shangri-La, une des régions les plus hospitalières de Titan, qu’ils comptent bien réécrire la « Genèse » à leur façon. »

J’avais beaucoup apprécié découvrir Mathieu Bablet à travers Adrastée et La belle mort. J’avais surtout été charmée par son style, sa maîtrise de la perspective et la physionomie de ses personnages. Ses univers sont toujours appétissants et ses thèmes intéressants, toutefois ses bandes dessinées manquaient encore de finition, avec un scénario prometteur mais qui tombait parfois dans la facilité (notamment pour La belle mort). Shangri-la est quant à elle un condensé des qualités de ces deux œuvres. Graphiquement superbe, avec une ambiance qui prend le lecteur dès les premières planches, elle déborde d’ambition.

Seulement, la qualité et le défaut de Shangri-la réside indirectement dans ses multiples thématiques de la science-fiction comme le paradoxe temporel, la dystopie, le space-opéra, les sociétés post-apocalyptiques, l’évolution d’espèces. Comme toute œuvre d’anticipation, les thèmes ne sont pas tant futuristes, ils reflètent des thèmes contemporains très actuels, auxquels le lecteur pourra se montrer captif.

On les retrouve notamment au travers de cette société consumériste, régie par une seule entité, à la fois corps politique et économique, sous le nom de Thianzu. La société est hiérarchisée et raciste, comme le démontre le personnage de John, représentant aux yeux du lecteur des animoïdes, espèce animale anthropomorphe créée par l’homme. Il y sera également question de rébellion, d’état d’urgence et d’expériences scientifiques comme les manipulations génétiques. La bande dessinée fourmille de sujets et d’idées, souvent très bien exploités à la fois à travers le scénario comme de menus détails du décor, du contexte ou de la société telle qu’elle est construite.

La portée sociologique et métaphysique rend l’ensemble passionnant à lire. Le tout reste digeste et le scénario bien rythmé, même s’il manque parfois un peu de subtilité. Toutefois, il n’en reste pas moins que ce trop plein d’idées et de thèmes peut également frustrer le lecteur, quand tout n’est finalement traité jusqu’au bout. Je reprocherai notamment l’introduction des paradoxes temporels, qui commencent et terminent Shangri-la, employant un tour de scénario, qui, pour ma part, m’a fait penser au film d’Interstellar.

Si ce thème est passionnant, il demeure ici très inexploité. Surtout, il me semble en décalage au reste du scénario, déjà riche en soi et qui aurait pu se suffire. Même s’il introduit une fin ouverte étonnamment poétique, je n’arrive pas à le trouver pleinement justifié et il me laisse un certain goût d’inachevé.

Quand bien même, Shangri-la est une bande dessinée magnifique et riche, de par ses thèmes et son traitement. Ses planches offrent des tableaux incroyables de l’espace, à couper le souffle. Mathieu Bablet prouve une fois de plus à quel point il est capable d’adapter son style à un genre et de créer un univers pluriel et créatif, toujours différent de ses précédentes œuvres. Si son œuvre pourrait encore être perfectionnée, elle n’en reste pas moins un régal à déguster. A quand la prochaine ?


Trailer :


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Chroniques Livres·Les Coups de Coeur

Watership Down de Richard Adams

Watership Down
Ecrit par Richard Adams
Publié aux éditions Monsieur Toussain Louverture, 2016
Jeunesse, Drame, Odyssée
21,90€ GF broché 13,99€ numérique 544p


LES COUPS DE COEUR !


Résumé :
« C’est parfois dans les collines verdoyantes et idylliques que se terrent les plus terrifiantes menaces. C’est là aussi que va se dérouler cette vibrante épopée de courage, de loyauté et de survie. Menés par le valeureux Hazel, une poignée de braves choisit de fuir l’inéluctable destruction de leur foyer. Prémonitions, ruses, légendes vont aider ces héros face à mille ennemis et les guider jusqu’à leur terre promise, Watership Down. Mais l’aventure s’arrêtera-t-elle là ? »

Je tenais à écrire une chronique sur ce chef d’œuvre anglais de la littérature jeunesse, trop méconnu en France, mais je dois dire en préambule qu’il est assez inclassable. C’est un OVNI littéraire, je n’ai jamais rien lu de semblable. Il laisse sensation impérissable d’un récit parfois sombre et cruel, pas vraiment une fable pour enfant et pas tout à fait un conte contemporain pour adultes. En deux mots : magistral et unique.

Ce qui ne laisse aucun doute que Watership Down est un bien un roman pour enfants, c’est notamment la construction du récit et son découpage. Chaque chapitre est une aventure en soi, qu’on peut aisément s’imaginer lire à un enfant, le soir venu, pour le border. Il y a de l’action, des moments d’intensité qui happent le lecteur et lui donnent envie de poursuivre indéfiniment sa lecture. Cette promesse que de multiples aventures attendent encore, alors même qu’un obstacle s’apprête à être franchi, entraîne excitation et impatience. Il y a des pauses, bienvenues, qui apaisent, appellent à un moment d’évasion. On est également dans le domaine du merveilleux avec des personnages attachants : des lapins qui parlent, croient en une divinité et aux mythes à travers les légendes de Shraavilsha. De quoi faire penser aux romans de fantasy. Ajouté à cela, il y a le style merveilleux de l’auteur qui rend la lecture vivante et intense, qui captive et rend curieux, inquiet, du sort de ces animaux.

Nul doute également que nous sommes bien ancrés dans la réalité, car jamais les animaux de Watership Down ne sont déformés par un excès d’anthropomorphisme. Le roman reste très concret et réaliste d’un point de vue de la zoologie. Les lapins n’en restent pas moins des lapins, régis par des besoins et un fonctionnement instinctif qui leur est propre. L’auteur semble avoir mené des recherches très pointilleuses sur la vie de ces mammifères et le roman nous la retransmets avec une étonnante précision. Pourtant, malgré la multitude de détails sur la vie de ces animaux qui fourmillent dans le roman, de même que les descriptions très précises de tous les environnements que traversent Hazel et ses compagnons, jamais je n’ai ressenti d’ennui ou de désintérêt. Chose que je n’aurais jamais cru être possible, si on m’avait dit que je lirai un jour un roman qui parle de lapins.

D’un autre côté, il m’est indispensable de vous parler de l’autre versant du roman. Watership Down n’est pas qu’un conte merveilleux, doux et gentil ; il a cela d’étonnant que tout en racontant l’odyssée de cette bande de lapins partie à la fois pour fuir un grand danger qui menaçait leur garenne et trouver ailleurs un nouvel Eden, il ait un aussi un aspect bien plus sombre et violent. Depuis le début de ma lecture, je percevais dans le récit un double langage, qui a créé en moi un émoi particulier. Je ne suis pas arrivée à mettre la main dessus qu’après plusieurs centaines de pages et après avoir cherché sur internet des informations sur le roman mais surtout sur l’auteur. Je suis finalement parvenue à trouver ce à quoi ma lecture me faisait curieusement penser : à la guerre. Même si l’auteur a en effet été mobilisé durant la Seconde Guerre Mondiale, il semble qu’il ait réfuté avoir glissé dans son roman des références à son vécu. Pourtant, il y a une sorte de tension permanente en fond de récit, qui fait toujours craindre le pire, et nous met constamment en éveil. Il appelle directement à l’instinct, comme si on ressentait directement la menace qui plane constamment sur ces lapins.

C’est un monument littéraire, unique en son genre et difficile à résumer. Il fait partie de ces œuvres qu’on pourrait aisément donner en exemple pour montrer à quel point la littérature jeunesse fait partie de la littérature la plus riche et la plus plurielle qui existe. On aurait tort de la sous-estimer car elle recèle encore, toujours, des œuvres prêtes à nous étonner par les niveaux de lecture pluriels qu’elles proposent. La preuve.


Extraits :

« La Terre tout entière sera ton ennemie, Prince-aux-mille-ennemies, chaque fois qu’ils t’attraperont, ils te tueront. Mais d’abord, ils devront t’attraper… Toi qui creuses, toi qui écoutes, toi qui cours, prince prompt à donner l’alerte. Sois ruse et malice, et ton peuple ne sera jamais exterminé. »

« Les lapins, dit-on, ressemblent aux humains par bien des aspects. Ils savent surmonter les catastrophes et se laissent porter par le temps, renoncer à ce qu’ils ont perdu et oublier les peurs d’hier. Il y a dans leur caractère quelque chose qui ne s’apparente pas exactement à de l’insensibilité ou de l’indifférence, mais plutôt à un heureux manque d’imagination mêlé à l’intuition qu’il faut vivre dans l’instant. »


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