Festival OFF 2018

Comme tous les ans (ou presque), je me suis rendue au Festival de Théâtre qui a lieu dans ma ville natale, en Avignon. Si vous ne le connaissez pas, je vous renvoie à mes précédents billets (de 2017, 2015, 2014 – et d’autres en fin de ce billet). Comme je n’ai pas été réactive, ce billet arrive donc tardivement, quasiment un mois après la fin du Festival. En revanche, les pièces qui y ont été jouées valent quand même la peine qu’on en parle, d’autant que certaines auront – je l’espère – la chance d’être rejouées dans de nouveaux théâtres tout le long de l’année.

Comme je me connais et que j’ai 12 pièces à mon compteur, ce billet risque d’être un peu long. Prenez donc un bon thé et n’hésitez pas à vous rendre sur les sites des compagnies pour les pièces qui vous auront intriguées afin d’en savoir plus.


Les Coups de Coeur

VARHUNG, HEART TO HEART

Compagnie : Tjimur Dance Theatre
Interprète(s) : Ching-Hao YANG, Ljaucu Dapurakac, Tzu-En MENG
Direction générale et artistique : Ljuzem Madiljin
Administration : Shu-Ting CHIU
Administration et coordination des tournées : I-Hsuan LI
Régie générale : Yin-Ping LI
Vue à la Condition des Soies

Je n’ai pas l’habitude de voir des spectacles de danse, généralement je ne sais pas comment les apprécier. En revanche, j’étais très curieuse de voir ce mélange de contemporain et de tradition venue de Taiwan. Le résultat a été bluffant. Je peux littéralement dire que cela a même été sensationnel, tant la pièce a été illuminée par le corps, l’énergie, la respiration, la voix, le son des corps des danseurs. Aucun de nos sens (hormis le goût) n’a été laissé pour compte. 

C’était une expérience unique au monde, renforcée par le lieu ancré d’histoire, d’abord fabrique de soie (après tout, il s’appelle bien Condition des soies) puis du théâtre avignonnais dont il est un des plus vieux représentants. La pierre est épaisse et haute, ancienne, typique de la ville médiévale.

Le show a été intense et communicatif. Les danseurs talentueux nous ont transporté et j’ai adoré tout autant la danse que leurs chants. Vraiment magistral !

Résumé : « Cette année, la compagnie est de retour avec varhung – Heart to Heart, création qui revisite la tradition de musique et danse des Païwans ; ce spectacle en recueille les éléments formels pour les sublimer en un langage corporel contemporain qui, dans l’interaction des chants et de la danse, s’exprime sur scène à travers la riche gestuelle des danseurs. Dans cette œuvre, le chorégraphe Baru Madiljin est parti d’une plante, le gingembre coquille, qui joue un rôle important dans la vie de la tribu, pour élaborer les mouvements articulant la danse. Les gestes précis et délicats accomplis – gestes de cueillette, de séchage, et d’épluchage par strates – sont devenus les éléments constituants des mouvements de danse de ce spectacle. C’est d’une seule traite, sans la moindre pause, que les danseurs accomplissent l’intégralité de cette performance chorégraphique. De temps à autre surgissent les rythmes de la danse des 4 pas, une danse de fête des aborigènes Païwan, accompagnés de psalmodies puissamment scandées. Baru Madiljin utilise le chant, la danse et les paroles des performeurs comme une maïeutique amenant la mise à nu des lourds secrets qui pèsent sur leurs cœurs. Ce faisant, il souhaite que ce soit aussi pour le public une catharsis, l’occasion d’extérioriser les frustrations sédimentées au plus profond du cœur et, partant, de s’en libérer. L’intériorité sauvage qui s’exprime dans l’attitude farouche et déterminée des performeurs fait de ce spectacle une expérience intense, grandiose et bouleversante. Que ce soit dans le martèlement des pas, dans les mouvements ou dans l’intensité des chants, la tension dramatique se manifeste avec la force d’un choc émotionnel. »

Les bonnes surprises

LE CERCLE DE CRAIE

après un poème chinois de Li Xuingdao et la pièce adaptée de Kablund
Interprètes: Sarah Brannens, Geoffrey Rouge-Carrassat, Eva Rami, Manuel Le Velly, Yuriy Zavalnyouk
Compagnie : L’Eternel Eté
Plus d’informations : http://www.cie-eternelete.com/creations/le-cercle-de-craie/
Vue à La Factory (Théâtre de L’Oulle)

Je ne pouvais rater la nouvelle création de la compagnie L’Eternel Eté (dont j’avais adoré leur version de Le Petit Poucet écrit par Gérard Gélas, puis la pièce La Vraie Fiancée et Les Fourberies de Scapin, adaptée de la pièce de Molière). Sans surprise, c’est une nouvelle réussite, adaptée d’un poème chinois du XIVe siècle. Un genre différent des précédentes pièces mais qui a su tirer de leurs qualités : la scénographie, la chorégraphie, la musique, le texte porté par des acteurs talentueux…

C’est un plaisir de les voir interpréter un texte qui s’adresse à un public plus mature. Les acteurs sont débordants d’énergie et leur créativité est un régal. Tout est pensé pour entraîner le spectateur dans l’univers et l’envoûter. Cette recherche de fluidité à tout instant dans les scènes et dans la transition des décors, avec la chorégraphie soigneusement orchestrée : tout semble opérer comme un charme. On se prête à la métamorphose de la scène et des acteurs qui, comme souvent dans leurs pièces, peuvent être amenés à interpréter des personnages différents. Leur talent est justement qu’on y croit. Ils touchent nos sensibilités et créé un lien affectif qui nous rendent encore plus captifs et inquiets pour ceux qui évoluent sur scène.

Je suis donc toujours aussi charmée !

Résumé : « Vendue comme entraineuse dans une maison de thé, la jeune Haïtang est ensuite mariée de force et dépossédée de son enfant. Amour contrarié, jalousie, vengeance et corruption jalonnent le destin exceptionnel de cette jeune femme. Cette histoire de justice et de sagesse, où le tragique se frotte au burlesque, fait partie des plus anciens contes de l’humanité et a traversé les siècles et les cultures. »

LA VÉRITABLE HISTOIRE DU CHEVAL DE TROIE

La véritable histoire du cheval de Troie
de la compagnie Brozzoni
d’après Virgile
Metteur en scène : Claude Brozzoni
Interprète(s) : Guillaume Edé, Claude Gomez
Diffusion : Virginie Bellaïche
Co-directrice : Dominique Vallon-Brozzoni
Plus d’informations : http://www.cie-brozzoni.com/La-veritable-histoire-du-cheval-de-82
Vue à La Manufacture

Un duo sur une scène très minimaliste autant que la mise en scène. L’un joue de la musique, l’autre conte et chante la véritable histoire du cheval de Troie, vécue par un Troyen, d’après le texte de Virgile. Je ne connaissais pas ce texte, mais j’ai adoré son interprétation. Une grande partie de la pièce passe à travers l’ouïe : l’émotion circule dans la voix mélodieuse du narrateur. La musique enchante la scène, lui donne sa forme, ses couleurs, sa taille – celle de la cité de Troie. La poétique du texte se charge du reste.

J’aime cette forme de simplicité qui met en valeur le texte. J’aime la voix du chanteur et ses chansons qui, même sans comprendre leurs paroles, véhiculent énormément de choses du récit. Plus que tout, elles nous touchent. Ma fibre sensible a, en tout cas, été chatoyé tout le long de la pièce. C’est gourmand et généreux à souhait.

Résumé : « La véritable histoire du cheval de Troie n’a-t-elle pas commencé quand la guerre a pris fin ? Une cité détruite, ses habitants massacrés et l’exode. Un exilé justement raconte. Il sait de quoi il parle : lui et son peuple attendent un accueil qui ne vient pas. Sa voix grave et éternelle enflamme le récit de Virgile. Dans ses chants, l’espoir renaît malgré la douleur et l’errance. Le comédien et chanteur, Guillaume Edé, et Claude Gomez, l’accordéoniste mêlent leur souffle à la poésie du texte. Sur la scène se joue l’histoire intime des tragédies épiques. Une histoire forte, contrastée, toujours saisissante. « 

HOICHI LE SANS OREILLE

Création du Théâtre Ronin
Metteur en scène :
Alex TAM
Interprète(s) : Chun-him WU, Lo-yin CHIU
Plus d’informations: https://www.theatreronin.com.hk/latest-news-cx2d
vue au théâtre LAURETTE

Encore une belle découverte, cette fois création d’une compagnie Hong-Kongaise. Elle interprète un conte horrifique japonais en mêlant l’art du conteur et de la forme physique (Nan-Kouan) à l’art de l’espace. Véritable dépaysement artistique, qui la rend peut-être difficile à comprendre pour des néophytes. Je n’ai peut-être pas moi-même saisi toutes les subtilités de la pièce, mais j’ai globalement apprécié le rafraichissement de l’interprétation.

En réalité, c’est une interprétation exigeante qui demande au spectateur une lecture attentive de la pièce, de toute façon indispensable du fait du surtitrage et au sous-texte que l’interprétation apporte qui la rend subtile et complexe à la fois. En revanche, c’est également une pièce d’ambiance, l’atmosphère rendue par la sonorité des instruments, des voix, des mouvements, ne serait-ce que le glissement furtif des pieds sur le sol, tout participe à immerger le spectateur dans ce conte.

Résumé : Adaptée de Hoichi, la légende des samouraïs disparus écrit par Lafcadio Hearn, relatant l’aventure d’Hoichi une musicienne aveugle séjournant dans un monastère. Une nuit, alors que l’abbé est de sortie, un samouraï vient l’inviter à donner un récital pour son maître.  Or, l’abbé voyant ces sorties avec scepticisme va envoyer un moine la suivre. Il découvre alors un terrible secret…

Les Découvertes

UN JOUR J’AI RÊVÉ D’ÊTRE TOI

Metteuse en scène : Anais Muller
Metteur en scène : Bertrand Poncet
Interprète(s) : Anais Muller, Bertrand Poncet
Soutien : Pier Lamandé
Plus d’informations : http://shindoprod.com/les-productions/les-traites-de-la-perdition/un-jour-jai-reve-detre-toi/
Vue au Théâtre du Train Bleu

Je pourrais vous laisser seulement le résumé comme commentaire de cette pièce car il vous en parle bien mieux que je ne pourrais le faire. Laissez-moi seulement vous préciser que j’ai apprécié l’expérience et que je l’ai trouvé surprenante, farfelue, décousue, mais également très intelligente et intéressante.

Je la rapproche à du théâtre de l’absurde. Elle est rondement bien menée. Le 4e mur est massacré à la pelle et le spectateur complètement mis en déroute. Très vite, on se pose de multiples questions : à quoi assise-t-on ? Et qu’est-ce qu’on fout là ? Est-ce que c’est encore une pièce de théâtre ? Sont-ils en train de jouer une comédie ? Et si oui, à quoi jouent-ils ?

Car les acteurs s’amusent. Et franchement, on s’amuse autant qu’eux. On ne veut pas partir. Ils nous rendent actifs, captifs, attentifs. Le sous-texte est excellent. Mais je vous laisse pour le découvrir, le résumé.

Résumé : Pour contrer la solitude et l’ennui Bert et Ange jouent la comédie, s’amusent, se font répéter et se mettent en scène. Bert est un homme qui voudrait être une femme, Ange est une actrice en mal de reconnaissance. Sur un ton léger, un rythme enlevé, on comprend que, petit à petit leurs rêves se sont fanés, les illusions envolées, mais que seul reste intacte la nécessité de jouer et de s’aimer.
Parce que tout est vain et que la vie c’est la vie, nous nous sommes mis à faire pour faire, non par nécessité, non par cupidité, non par orgueil (enfin si peut-être un peu) mais juste parce que finalement il n’y avait que cela à faire. Anaïs a une pelle et Bertrand un marteau-piqueur. Nous creusons des trous ; nous creusons des trous sans savoir pourquoi. Qu’y a-t-il dans un trou ? Pourquoi rêver toujours d’être un autre quand on peine déjà à savoir qui on est ? Réflexion faite, l’idée nous est apparue que nos choix et nos désirs ne nous appartenaient pas et que donc l’homme, être de fiction et de culture, semblait être, malheureusement ou heureusement pour lui, naturellement et facilement manipulable. Sous forme de traités, qu’on appellera « Les traités de la Perdition », les spectateurs assidus pourront suivre Ange et Bert évoluant dans leurs fantasmes pour mettre en exergue la mort d’un monde qui se décompose de l’intérieur.

LA GLOIRE ET LA CENDRE

Création de la compagnie Jacques Auxenel-Annie Chaplin Théâtre Lesilo
Metteur en scène : Jacques Auxenel
Interprète(s) : Bertrand Saint, Bruno Biezunski
Chargée de diffusion : Catherine Lafont
Vue au Théâtre des Corps Saints

J’ai toujours aimé les pièces historiques. Celle-ci se déroule pendant une nuit durant la Seconde Guerre Mondiale. Une alerte aérienne retentit, coinçant un historien allemand et un gardien de lycée français et résistant dans un huis clos – autre aspect positif de la pièce. Les deux hommes vont être ainsi obligés de se côtoyer et de se divertir. L’historien, fasciné par l’Histoire de Napoléon, et notamment l’expédition qui a été menée pour ramener sa dépouille en France, va ainsi nous faire partager, à travers son récit passionné, cette part de l’Histoire, que, personnellement, j’ignorais. Je ne savais pas non plus que durant la Seconde Guerre Mondiale le corps du fils de Napoléon avait également été ramené par les Allemands en France, manœuvre de propagande.

La pièce se révèle plutôt classique et sans surprise. On passe en revanche un bon moment à côtoyer ces deux êtres, à s’interroger sur leur passé, leur motif. C’est une pièce également pédagogique qui met en avance des faits peu connus de l’Histoire, dont celui cité au-dessus. Et c’est une oeuvre touchante qui, tout en relatant un moment anecdotique de la vie de deux hommes, parle aussi de l’humanité et des rapports humains en tant de guerre.

Résumé : « 15 décembre 1840, 15 décembre 1940 : le jour et la nuit…!
15 déc.1940, sous l’occupation allemande, une alerte aérienne confine un historien et un concierge dans la cave de leur lycée. À la radio ils entendent qu’Hitler rapatrie en France la dépouille de l’Aiglon, fils de Napoléon. Outré par cette manœuvre collaborationniste, d’ailleurs totalement méprisée par les parisiens, l’historien raconte ce que fut, à contrario, l’extraordinaire expédition du retour des cendres de l’Empereur et le fantastique accueil que le peuple français lui fit à son arrivée cent ans plus tôt, le 15 déc.1840. Si ce récit patriotique et le huis-clos contraint rapprochent ces deux hommes, leurs rapports sont ambiguës, parfois conflictuels, chacun étant porteur d’un dangereux secret, l’un sur son activité, l’autre sur son identité, créant au long de la pièce un suspens qui entraîne autant le public profane en histoire, que celui plus érudit, dans ce double voyage à la fois temporel et géographique. »

LE MAGASIN DES SUICIDES

Création de la compagnie Nandi
d’après le roman de Jean Teulé
Adaptation et Mise en scène : 
Franck Regnier
Scénographie : Leslie Calatraba
Chorégraphie : Cie Mouvementé
Création Costumes : Lisa Desbois
Interprète(s) : Cédric Saulnier, Elise Dano, Benoit Gruel, Arnaud Gagnoud, Julie Budria, Pierre-Hugo Proriol, Anthony Candellier
Plus d’informations : http://www.compagnie-nandi.fr/index.php/home/
Vue au Théâtre Notre Dame

J’avais envie d’une pause de légèreté, aussi j’ai voulu tenté l’adaptation du roman de Jean Teuilé, dont le postulat même est comique : la famille Tuvache fait fortune en garantissant à leurs clients un suicide réussi 100% garanti. Seulement, le dernier né est une malédiction pour la famille qui porte le deuil comme un gant : il a la joie de vivre !

Nul doute que vous passerez un moment drôle, divertissant, aéré en allant la voir. J’ai même été étonnée de ne pas y voir plus d’enfants, car la pièce est vraiment idéale pour tous les âges. Le décor et les costumes, la scénographie générale est topissime. Les acteurs sont plutôt bons, avec un clin d’oeil spécial pour le grand-frère, joué par Pierre Hugo Proriol, qui nous a vraiment fait rire tout le long de la pièce.

Par contre, la pièce malheureusement souffre des défauts du livre : l’idée est très drôle mais certains personnages manquent un peu de nuance. Ils sont beaucoup trop tirés sur un seul aspect de personnalité et sont à la longue lassants. Cela reste malgré tout bon enfant et donne le sourire aux lèvres.

Résumé : Chez les Tuvache, on garantit les suicides «Mort ou Remboursé !» depuis de nombreuses générations.
Mais ça, c’était avant l’arrivée d’Alan, le petit dernier. Tout petit déjà, il commence à sourire. Alors qu’autour de lui le monde n’est que tristesse et désolation, lui ne voit que beauté et poésie. Et redonner le goût de vivre aux clients du magasin des suicides, ce n’est pas bon pour le commerce des parents Tuvache. Désespérés, ils vont tout tenter pour remettre leur fils dans le droit chemin du désespoir.

Les mitigés

FAUST

d’après l’oeuvre de Goethe
Création du Collectif 8
Metteuse en scène : Gaële Boghossian
Interprète(s) : Clément Althaus, Paulo Correia, Fabien Grenon, Mélissa Prat
Video : Paulo Correia
Musique : Clément Althaus
Lumières : Samuèle Dumas
Machiniste : Benjamin Migneco
Diffusion : Vanessa Anheim
Chargé de production : Mathieu Gerin
Stagiaire : Nikita Cornuault, Kelly Rolfo
Plus d’informations : https://www.collectif8.com/
Vue au 11 Gilgamesh Belleville

J’ai beaucoup de peine à placer cette pièce dans cette catégorie, car je suis admiratrice des productions du Collectif 8 et du travail de Gaëlle Boghossian en tant qu’actrice comme metteuse en scène (j’avais adoré Alice, La Religieuse, Marginalia). J’aurais aimé que c’en soit de même avec Faust.

Malheureusement, c’est une déception cette année. Il y a beaucoup de répétitions vis-à-vis de leurs précédentes créations, dans la scénographie, la mise en scène, le style général de la pièce. Mais attention : ceux qui ne connaissent pas les créations du collectif seraient certainement bluffés par le travail et la créativité ! Simplement, je n’ai plus ressenti le plaisir de la surprise, de la nouveauté et de l’originalité – tout me donnait un goût de déjà vu, du coup.

En plus, il y a aspect un peu « kitsch » dans l’interprétation de la pièce de Goethe. L’utilisation de la guitare, notamment, même si la bande originale est assez cool en soi, associée à la pièce, cela a renforcé la lourdeur générale. Même chose pour l’utilisation de la vidéo sur la toile qui nous séparaient de la pièce et l’interprétation des acteurs. Cela manquait de finesse, d’aération, de nuances.

Cela ne reste que mon avis personnel, après avoir déjà vu quelques pièces (et deux chefs d’œuvres). J’avais une attente particulière vis-à-vis de ce spectacle, malheureusement cela m’a déçu. Pour autant, j’irai voir leur prochaine création avec grand plaisir quand même.

Résumé : « Heinrich Faust, éminent scientifique et professeur, dresse un bilan amer de sa vie : comme scientifique, il n’a pas réussi à accéder au savoir absolu et comme individu, vieillissant, il n’a pas jouit de la vie et de ses plaisirs.  Désespéré, il promet de donner son âme au diable si celui-ci parvient à le délivrer de son insatisfaction et de son ennui. Méphisto l’entraine dans un extraordinaire voyage dans lequel il découvrira le désir et le pouvoir… »

LE DERNIER HOMME

Metteur en scène : Julien Gelas
Interprète(s) : Paul Camus
Plus d’informations: https://www.chenenoir.fr/event/le-dernier-homme-spectacle-festival-2018/
Vue au Théâtre du Chêne Noir

J’avais déjà vu la pièce La Fuite, que Julien Gélas avait traduit du chinois, écrit par Gao Xingjian en 2014, découverte très intéressante. J’étais curieuse de voir une pièce qu’il aurait écrit et mis en scène lui-même. De plus, il s’agissait d’un seul en scène qui mettait en scène le dernier homme, dans un univers d’anticipation post-apocalyptique. Je n’ai pas souvent l’occasion de voir de la science-fiction au théâtre, c’était donc l’occasion !

Et il y a du potentiel dans le texte de Julien Gélas. De ses thèmes, de la douce et lente agonie de son narrateur, qui se languit et tente un ultime espoir pour rompre sa malédiction d’être immortel dans un monde désert et saccagé, des réflexions induites, de l’ultime étincelle de la scène finale – il a en effet de belles promesses. Cependant, je n’ai pas réussi à m’immerger dans ce texte et dans le jeu de l’acteur, dans le minimalisme de la mise en scène poussé à l’extrême, dans la stoïcité du narrateur qui s’alourdit d’une tonalité trop monotone. Dans cette sobriété, il y manque encore de la nuance et un peu de finesse. Malgré quelques moments où la force du texte, la voix du narrateur, l’intensité de son regard et l’atmosphère prennent corps et âme dans une atmosphère qui devient tangible, cela reste globalement une petite déception.

Résumé : « Que ferions-nous si nous étions le dernier homme ou la dernière femme sur terre ? Que serions-nous surtout ?21 novembre 2084, côte ouest des Etats-Unis… Il vient d’inventer une machine capable de connecter la matière et la pensée. Une invention de celles qui transforment le cours de l’humanité. Mais sa vie bascule lorsque le Pouvoir tente de la récupérer… Sa femme est enlevée, Il est séquestré… et frappé d’une paradoxale malédiction : le voilà désespérément immortel, dans un monde en proie à un conflit planétaire qui viendra à bout de l’humanité entière…Le dernier homme sur terre nous livre son destin incroyable, s’accrochant à l’espoir d’être ainsi délivré de ses chaînes et de rejoindre paisiblement ses semblables… »

JUSTE LA FIN DU MONDE

Création de la compagnie Ledn-L’équipe de nuit
Adapté du texte de Jean-Luc Lagarce
Metteur en scène: Jean-Charles Mouveaux
Interprètes: Vanessa Cailhom, Jil Caplan, Esther Ebbo, Chantal Trichet, Philippe Calvario, Jean-Charles Mouveaux
Vue au Théâtre des Templiers, Petit Louvre

Si ce n’est le texte, je n’ai pas vraiment aimé la pièce. Ni son décors, structure noire composée de tables adossées, empilées, retournées, ni l’interprétation des acteurs et la mise en scène. Je suis, pour ainsi dire, passée complètement à côté de cette pièce.

En fait, je me suis vraiment ennuyée de bout en bout. La sobriété est poussée au paroxysme, dans un ton monotone, lourd, et sans nuances. Certains acteurs étaient vraiment mauvais, comme s’ils venaient d’apprendre le texte et ne savaient pas comment le jouer.

Je suis quand même ravie d’avoir découvert le texte de Jean-Luc Lagarce. La parole y est maitresse et je comprends, en un sens, la volonté de ne pas détourner l’attention du spectateur dans une mise en scène. C’est une tragédie familiale, où Louis, de retour après plusieurs années d’absence et de quasi-silence, doit annoncer à sa famille qu’il va mourir. Son retour brisera pendant son court séjour ce silence et libèrera la parole. Et en même temps, cet assemblage de monologues, à l’exception de quelques scènes particulières, montre à quel point l’échange fait cruellement défaut et les rend presque étrangers. Louis repartira sans rien dire de son état de santé. Du coup, j’aimerais mieux lire le livre et entendre sa musicalité et sa force, que je n’ai pas perçu dans son adaptation, malheureusement.

Résumé: « Le fils retourne dans sa famille pour l’informer de sa mort prochaine. Ce sont les retrouvailles dans le cercle familial où l’on se dit l’amour que l’on se porte à travers d’éternelles querelles. De cette visite qu’il voulait définitive, le fils repartira sans avoir rien dit. »

FUCKING HAPPY END

JJ’aiCréation de la compagnie Reina Loca
Metteur en scène : Jan Oliver Schroeder
Metteuse en scène : Sarah Fuentes
Interprète(s) : Ludovic Chasseuil, Sarah Fuentes, Maud Imbert, Jan Oliver Schroeder
Diffusion : Adeline Bodin
Régisseur : Loïs Guidotti
Plus d’informations: https://www.reinaloca.com/fucking-happy-end/
Vue au Théâtre du Train Bleu

Alors, je dois avouer qu’un mois après l’avoir vue, j’ai déjà oublié en grande partie la pièce. Je n’en ai que peu à en dire finalement.

Je me souviens qu’elle était par moment drôle avec quelques bonnes idées, notamment au niveau des costumes. Mais elle était aussi un peu too much, lourdingue, pas très fine dans l’humour.

La réécriture de Peau d’Âne n’est finalement pas aussi originale, malgré quelques renversements. On reste plutôt ancré sur le conte, il me semble, et la prise de risque reste plutôt sage.

J’aurais peut-être aimé y voir un peu plus de cynisme et de critique.

Résumé : « Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi Blanche Neige attend le prince charmant alors qu’elle a sept nains sous la main ? Pourquoi faut-il bécoter une armée de batraciens avant de trouver chaussure à son pied ? Ou pourquoi cherche-t-on absolument à vous caser alors que le mariage vous donne envie de vous pendre avec la crinière de Raiponce ? Bref, vous en avez marre des « Happy ends » formatés, tant mieux. Nous aussi ! « FUCKING HAPPY END » est une tragi-comédie qui pulvérise les idées reçues sur le couple, la famille, la quête du bonheur et tous les autres clichés dans lesquels la société veut nous claquemurer… Sous les feux de la rampe d’un étrange cabaret, un cortège de personnages, évadés de l’univers des contes, va vous dévoiler sa vision complètement loufoque et déjantée de « Peau d’Ane » !

LODKA

Création de la compagnie russe Quartier Libre
Metteur en scène : Sergey BYZGU
Interprète(s) : Olga ELISEEVA, Alexander GUSAROV, Marina MAKHAEVA, Yulia SERGEEVA, Natalia PARASHKINA
Plus d’informations: http://showlodka.com/fr
Vue au Théâtre du Chêne Noir

J’étais allée voir il y a quelques années leur spectacle « La famille Semianyki« , qui m’avait autant surprise que fait rire aux éclats. J’avais gardé un très bon souvenir de ce moment, surtout que je ne suis pas habituellement adepte de mimes. J’étais donc curieuse de les retrouver dans un nouveau spectacle.

Malheureusement, je n’ai pas été aussi comblée que la première fois. Il y a des moments très drôles et c’est plutôt bon enfant dans l’ensemble. En revanche, j’ai trouvé des longueurs dans le spectacle et de la répétition dans les gags.

Certains personnages étaient peut-être un peu trop poussés à l’extrême dans leur running gag, qui rendait l’ensemble un peu inégal et parfois lourd. Mais j’ai aimé le thème général du spectacle, l’autodérision dans l’imbrication du théâtre dans le théâtre. La compagnie monte en effet un spectacle qui tourne au désastre et échappe à leur contrôle. Situation assez cocasse qui entraînera plusieurs fous rires, même si ça n’a pas toujours fait mouche avec moi.

Résumé : « LoDka – en Russe « petit bateau » – embarque le spectateur dans le tumulte du quotidien d’un petit théâtre.Un kaléidoscope de personnages drôles et touchants dans des situations rocambolesques inspirées par un long vécu de comédiens de théâtre. Sans un seul mot et en même temps, avec une justesse poignante et un humour incisif, ces artistes nous communiquent leurs rêves, leurs chagrins, leurs espoirs et leur humanité. »


Et voilà, c’en est terminé de ce (long) bilan du Festival Off 2018. C’est un plaisir, comme à chaque fois, d’y séjourner. Avignon est une très belle ville provençale et médiévale qui se colore durant tout le mois de Juillet, attirant la culture du monde entier dans ses murs. C’est toujours un privilège de pouvoir m’y rendre chaque été et je savoure toujours ces instants qui ne seraient rien sans toutes ces compagnies, ces metteurs en scène, ces acteurs, ces scénographes et toutes leurs équipes de talents.

J’ai déjà hâte d’y revenir l’été prochain.


EN DÉCOUVRIR PLUS :

Quelques articles des années précédentes :

Chroniques des pièces vues durant le Festival (2014, 2015, 2016) :